Quanto è importante il tempo nel tuo processo artistico?
Gillian Lawler: Il tempo è una componente essenziale nel mio lavoro che si evince attraverso un processo di immagini sovrapposte. Mi concedo circa un anno prima di una mostra per realizzare un nuovo nucleo di lavoro. Inizialmente il lavoro si evolve lentamente, costruendo immagini e associazioni strato dopo strato. Queste superfici sono molto sottili e arricchiscono il lavoro dando una profondità di significato percepibile solo attraverso l’atto di osservazione prolungata. Uso la tela nella sua forma preliminare come veicolo di ricerca, sperimentando varie forme geometriche, linee, stati d’animo e proiezione della mente. I motivi che riuso sono basati sul concetto di forma, sulle mie interazioni quotidiane a livello umano e sul mio personale sentimento attuale. Credo che il dipinto sia finito solo quando sento che la forma e l’atmosfera/umore sono equilibrati.

Come consideri la tua pratica artistica? E come la descriveresti?
GL: Io sono principalmente un pittore, ma negli ultimi due anni ho sperimentato scultura, fotografia, proiezione di diapositive e disegno. La mia pittura in passato è stata descritta in termini scultorei, quindi è stata una transizione naturale l’utilizzo di altri media per rappresentare ciò che faccio. Il mio lavoro descrive il mio posto nel mondo conosciuto e oltre, le esperienze passate e si nutre del pensiero attuale riguardo al nostro ambiente, ai cambiamenti climatici e al disagio esistenziale prevalente.

Qual è il titolo dell’attuale tua mostra personale a Torino e come si confronta con l’idea Painting through its poetical emotions che soggiace l’intero ciclo di mostre?
GL: La mia mostra per la Galleria Weber & Weber di Torino è intitolata This entropic order. L’entropia è una misura di incertezza o casualità e suggerisce che l’universo si stia muovendo verso uno stato di massima entropia – questo è contrastato dalle teorie della complessità e della crescita. Con questo in mente il mio nuovo lavoro infonde l’idea di luogo, organizzazione, trasferimento e trasformazione attraverso i diversi stati dell’essere. Questo approccio consente un’applicazione e una giustapposizione di forme immaginate e direttamente dipinte sulla tela, un flusso libero di incoscienza per così dire, che attraverso il processo del tempo viene cancellato e rielaborato fino a quando non assomiglia ad alcun pensiero definito. L’ordine viene applicato in base al bilanciamento di forme, linee, colore e spazi vuoti. Lo spazio liminale è importante come luogo di transizione e consente un approccio multiplo alla creazione di immagini, una sorta di ordine precariamente in bilico posto su una crescente ondata di disordini.

Quali emozioni provi o non a suscitare nell’osservatore?
GL: Mi interessa l’idea del disagio architettonico, ricorrenti motivi a scacchiera accentuano una definita ma distorta prospettiva, che qui si aggiunge al surreale, all’onirico senso di disagio, in cui ciò che sembra essere stato pianificato secondo una logica prospettica è negato e sovvertito. In dipinti più recenti ho esplorato l’idea della transizione, passando da uno stato dell’essere a un altro, uno stato legato alla terra che si muove verso una forma forse più spirituale senza legami. La mia tavolozza di colori è ampia ma si basa sulle tonalità dei grigi, quindi a volte infonde al lavoro un senso di tristezza. Nell’ambito del lavoro più recente, l’immagine di una piattaforma funge da veicolo per questa trasformazione e crea una sensazione di assenza di peso che infonde un sentimento di speranza.

Come crei questi universi alternativi, extra universi dove gli elementi geometrici stabiliscono lo spazio?
GL: Mi interessano i luoghi abbandonati, vuoti e messi a nudo, una visione che mi permette di immaginare una linea temporale alternativa o una dimensione libera dalla confusione di una civiltà umana un tempo centralizzata.
L’aggiunta di strutture architettoniche ipotetiche sono multiformi e possono essere messe a terra, o lasciate fluttuare, o legate o addirittura espanse. Agiscono come sentinelle, osservando a una certa distanza, viaggiando forse in un altro luogo, talvolta apparendo o mimetizzandosi attraverso gli elaborati moduli. Spero che possano essere un punto di passaggio tra due luoghi, uno spazio nella mente e un gancio che ci trascina attraverso. Il mio uso del motivo a scacchiera crea una pelle che può essere tirata e allungata in molte direzioni dando alle forme un senso di movimento nel tempo.

Il progetto espositivo Paintings through its poetical emotions (20 set 2018 – 2 feb 2019, Galleria Weber & Weber, Torino) a cura di Valeria Ceregini è gentilmente supportata dal Culture Ireland (cultureireland.ie)