Alla galleria T293 di Roma, la personale, Reminiscences II, di Hangama Amiri (Kabul, 1989) presenta arazzi e sculture in tessuto; una serie nella quale l’artista concentra i temi essenziali della propria pratica artistica. Hangama Amiri riflette sulle origini e sul vissuto personale in quanto esule afghana raccontando la nostalgia, il distacco, l’identità e il femminile. I lavori esposti in Reminiscences II sono uno studio dello spazio domestico e quotidiano, dove l’artista apre un dialogo tra emotività e memoria, personale e collettiva; inoltre, la loro realizzazione permette di rielaborare e comprendere meglio le personali vicende e la sua identità, sempre in bilico tra terra d’origine e terra d’immigrazione.

Hangama Amiri, “Reminiscences II”, veduta della mostra, galleria T293, Roma, 2024. Ph. Daniele Molajoli, courtesy l’artista e galleria T293

Irene Follador: Dal momento che la seria Reminiscences è un racconto personale, che rielabora il suo vissuto; ha voglia di raccontarci la sua storia?
Hangama Amiri: La serie Reminiscences è ispirata all’archivio fotografico della mia famiglia e, in particolare, alle conversazioni tra mio padre in Europa e mia madre a Dushanbe, in Tagikistan, durante la loro separazione durata quasi nove anni a causa della migrazione. In questo materiale vi era una tacita ma evidente distanza da casa che entrambi gli individui esprimevano nelle loro immagini. Mi ha incuriosito osservare le differenze tra la loro definizione di casa, famiglia e ambiente attuale, che ora esprimono con orgoglio e speranza. Tradurre queste immagini in tessuto mi ha avvicinato alla comprensione del loro dolore, della loro nostalgia, del loro desiderio e del loro amore lontano per la famiglia e per l’altro. Attraverso il collage di tessuti diversi e di varia provenienza, racconto le loro storie di immigrati, rifugiati e la diaspora, estendendo ulteriormente l’esperienza per raggiungere molti altri che hanno vissuto o stanno vivendo lo stesso processo. In questi decenni, molte famiglie sono fuggite dalla loro casa e hanno cercato asilo nei paesi occidentali a causa della guerra, e in molti sono stati costretti a lavorare da soli per mantenere la propria famiglia in patria. La separazione è una delle storie comuni nella vita degli immigrati. Spero che la mia serie Reminiscences possa far luce su queste esperienze condivise tra le comunità di immigrati a Roma e oltre, attraverso l’arte visiva, e riunirle per riflettere sulle loro storie individuali.

Hangama Amiri, “Woman Before A Mirror”, 2022, mussolina, cotone, poliestere, tessuto tinto, velluto, chiffon, seta, scamoscio e tessuti trovati, 185.5 × 136 cm, ph Daniele Molajoli, courtesy T293

Il lavoro con il tessuto è la cifra stilistica della sua pratica, che mescola stoffe e texture varie e multiformi. Cosa l’ha ispirata inizialmente a esplorare la formalizzazione delle composizioni e collage tessili?
Ho iniziato come pittrice, sviscerando questo mezzo per oltre quattordici anni. Da quando mi sono laureata al programma MFA della Yale School of Art, ho lavorato esclusivamente con i tessuti. È infatti a Yale che ho scoperto il mio amore per il tessuto, il collage e la creazione di installazioni con materiali morbidi. Il mio rapporto con la pittura era molto diretto; usavo colori pronti su tela, che mi sembravano più simili alla scrittura dei miei ricordi piuttosto che allo stiramento, allo strappo o alla costruzione di un mondo. Ho faticato a provare un senso di appartenenza o di proprietà nei confronti del mio lavoro. Tuttavia, ho trovato la liberazione nel tradurre il mio mondo in tessuto, che mi ha permesso di creare in modo imperfetto e libero come volevo. Le potenzialità materialistiche dei tessuti ricordano da vicino il funzionamento della memoria: sono scorci frammentati di realtà messi insieme. Raccolgo tessuti non solo a New York ma anche in varie parti del mondo, come Pakistan, India, Asia centrale e Afghanistan. Il collage, o l’assemblaggio, di pezze diverse provenienti da questi paesi mi mette in contatto con le mie esperienze di migrante e rifugiata, avvicinandomi all’arte e alla cultura di quelle regioni. Vedo che i miei lavori su tessuto si collocano ancora nell’ambito della pittura, utilizzano il linguaggio pittorico e la composizione, sfidando al contempo il canone della storia dell’arte nei suoi modi più radicali.

Ci può spiegare come la sua reinterpretazione di queste tradizioni tessili riesca a fungere da metafora per evidenziare i limiti del patriarcato e sottolineare il ruolo della società maschilista nella promozione di norme sociali discriminatorie?
I tessuti ci circondano da secoli, sono il fondamento della protezione, del comfort, del tatto e quindi portano con sé le nostre sensazioni, i nostri sensi e la nostra memoria. Per generazioni le donne hanno esercitato la loro arte con il ricamo, il quilting, il lavoro a maglia, il cucito per la famiglia e per il commercio. I tessuti non sono solo oggetti di bellezza, ma anche vessilli politici, che mostrano la forza delle donne e della comunità, per i diritti sociali e di genere. Ancora oggi, quando si osservano le proteste in tutto il mondo, il materiale più comune e importante è il tessuto: sciarpe, bandiere e slogan scritti su striscioni, e questo ci permette di evidenziare il potere e la versatilità dei tessuti come forma d’arte, anche se pare che questa sia stata trascurata nel corso della storia. La mia pratica guarda molto ai quilt della Underground Railroad, dove le donne usavano il quilting come passaggio verso la libertà. Cucivano codici, motivi e simboli specifici e li appendevano all’esterno come segno per guidare gli schiavi in fuga sulla via della libertà. Oppure mi ispiro alle arpilleras (“iuta”, in spagnolo), vivaci arazzi applique e patchwork realizzati da un gruppo di donne in Cile. Il loro lavoro raccontava la vita dei poveri e degli oppressi nel loro Paese negli anni Settanta e Ottanta, durante il regime militare totalitario del generale Augusto Pinochet Ugarte. Come forma di resistenza, le donne si riunivano attorno a un tavolo e cucivano piccoli arazzi per narrare le lotte sociali e politiche del loro tempo: questi sono oggi un archivio storico che permette di imparare e visualizzare la loro narrazione e il loro dolore. Il tessuto ha quindi sempre sfidato la nozione patriarcale di cosa sia il fare cultura, criticando le gerarchie non solo nella storia dell’arte, ma anche nella vita quotidiana.

Hangama Amiri, “Reminiscences II”, veduta della mostra, galleria T293, Roma, 2024. Ph. Daniele Molajoli, courtesy l’artista e galleria T293

In che modo si posiziona all’interno del discorso più ampio sull’arte contemporanea e l’identità culturale? La sua pratica artistica contribuisce a sfidare o a depotenziare le convenzioni culturali dominanti?
Finora, ho visto che il lavoro che porto avanti ha avuto un impatto significativo per le giovani generazioni vicine all’arte, al femminismo, al tessile e soprattutto alla ricerca di una navigazione attraverso la nozione di diaspora nel discorso contemporaneo. In quanto artista credo che qualunque sia il mio strumento – pittura, tessuto o scultura morbida – abbia sempre cercato intenzionalmente di ritagliare uno spazio per essere vista, ascoltata, rappresentata e di aprire un altro spazio per coloro che si sentono appartenenti, ascoltati e inclusi nel mio spazio. Posso solo dire di essere parte di una conversazione contemporanea in cui le esperienze diasporiche si mescolano e si incontrano. La sfida che osservo, e alla quale ho contribuito con la mia consapevolezza, è che la gerarchia dell’arte esiste ancora sotto le convenzioni dominanti degli uomini bianchi. Nonostante ci sia ancora molta strada da fare per l’uguaglianza all’interno di questo mercato gerarchico, non siamo poi così lontani. Molti artisti della generazione precedente sono stati per me dei modelli, mostrandomi come continuare a lottare, imparare e progredire. Le donne, gli artisti LGBTQIA+ e queer – che lavorino con tessuti, materiali morbidi, pittura, scultura o fotografia – hanno e continuano a contribuire in maniera notevole e potente alla storia contemporanea. Guardo ad artisti come Sarah Sze, Carrie Mae Weems, Nicole Eisenman, Rina Banerjee, Chitra Ganesh, Tala Madani e Doris Salcedo, che hanno cambiato la nostra concezione della storia dell’arte e del fare arte in un contesto contemporaneo.

Stimolare l’empatia attraverso lo sguardo è uno strumento per instaurare un dialogo e una comprensione attraverso i confini ideologici e culturali?
Penso che la tua domanda possa risiedere nel potere della rappresentazione. La risposta all’interrogativo riguardo allo stimolare l’empatia attraverso lo sguardo come strumento è duplice: sì e no. A mio avviso, l’arte non è uno strumento al servizio di esigenze politiche. La produzione di massa di immagini in reazione o in risposta a sconvolgimenti politici è più un punto di vista attivista che non arte nella sua lenta pratica e nel suo processo. Penso che l’arte perda il suo potere quando serve a uno scopo immediato. Un esempio semplice che combatte splendidamente contro queste convenzioni è la pittura di Van Gogh. Il modo in cui usava le sue pennellate e raffigurava scene cupe, blu e tristi riguardava in gran parte la sua lotta interiore di tutta una vita per capire il mondo che lo circondava. Era povero, ma non si sottrasse mai dal raffigurare scene di contadini che lavorano nei campi, donne che mangiano patate o un triste girasole caduto: tutti segni delle sue lotte mentali e dei suoi problemi finanziari come artista. Allo stesso modo, l’installazione immersiva di Doris Salcedo intitolata Palimpsest (2013-17) è un potente tributo alle innumerevoli persone che hanno perso la vita nel Mar Mediterraneo durante la migrazione verso l’Europa. L’artista stessa ha sottolineato che queste anime perdute sono innumerevoli per disegno; l’Unione Europea non registra i loro nomi, cancellando la loro umanità. Questi due esempi, attraverso le loro pratiche artistiche distinte, hanno plasmato e spostato la nostra comprensione dell’impatto che l’arte può avere sulla conoscenza della storia; sfidano i nostri confini culturali e ideologici e ci aiutano a comprendere altre vite. La mia risposta è: il modo in cui si utilizza lo strumento per collegare sentimenti e visioni al fine di comprendere le culture in generale è la politica dell’essere artista.

Hangama Amiri, “Man with Vase of Tulips”, 2024, mussolina, cotone, chiffon, velluto, poliestere, seta, scamosciato e lino, 159 × 136 cm, (dettaglio), ph Daniele Molajoli, courtesy T293

Pensa che la sua produzione sia uno strumento per mantenere e nutrire il legame con la cultura e con un senso di appartenenza in coordinate spazio-tempo così mutevoli e transitorie?
Qualsiasi strumento io continui a esplorare e usare per esprimere le mie idee cercando di dare un senso al mio mondo mi ha avvicinato alla cultura che sono stata costretta a lasciare. Lavorare con i tessuti e le stoffe, in particolare, ha creato una connessione importante con altri che coltivano una comunità e una cultura simile alla mia. L’arte esiste perché il mondo non è perfetto, e attraverso le sue fasi mutevoli di forma, tempo e storia, l’arte sarà sempre uno strumento per disegnare, dipingere e dare un’impronta al suo effetto. Quando uso il tessuto, che sia d’archivio o semplicemente denim, fianco a fianco nel mio lavoro, segno il nostro rapporto con il tessuto nelle sue due storie e culture distinte. Se noi vediamo il materiale denim, lo riconosciamo immediatamente perché abbiamo indossato quel materiale, lo abbiamo sentito, siamo cresciuti con esso e conosciamo già la sua consistenza. Allo stesso modo, se una donna afghana vede il mio tessuto d’archivio proveniente dal suo Paese, lo riconoscerà e percepirà una sorta di legame con esso, perché potrebbe ricordarle la propria casa. Gli oggetti hanno un grande potere nel preservare la nostra cultura, la nostra lingua, la nostra storia e il nostro tempo. Gli artisti, quindi, sono i sottoprodotti della cultura, che plasmano attraverso qualsiasi mezzo con cui lavorano.

Il concetto di “casa” è una costante nella sua pratica artistica. Il suo lavoro con il tessuto si collega a questo concetto di ricerca di dimora costante?
Uno dei miei principali ricordi di casa è l’essere circondata da tessuti. Da bambina amavo andare ai bazar, dove ero avvolta da una cultura colorata, sgargiante e rumorosa. Il tessuto e i tessuti colorati sono stati la mia base per definire la mia idea di dimora. Oggi, quando utilizzo tessuti diversi provenienti da paesi come il Pakistan, l’India, l’Asia centrale e gli Stati Uniti, sono alla costante ricerca di casa. Cerco di sentirmi a casa preferendo determinate trame, modelli, colori e suoni che me la ricordino. Il tessuto è un materiale sensuale; è il primo oggetto che incontriamo quando nasciamo e racchiude in sé odore, intuizione e memoria. Più mi avvolgo di tessuto oggi, più mi sento vicino a casa e a un senso di appartenenza, protezione e calore.

Hangama Amiri, “Reminiscences II”, veduta della mostra, galleria T293, Roma, 2024. Ph. Daniele Molajoli, courtesy l’artista e galleria T293

Riguardo alle opere esposte in Reminiscences II, in che modo sono integrate le immagini d’archivio e i ricordi personali?
Le mie esperienze personali si intrecciano con i ricordi dell’infanzia con mia madre. Molti pezzi sono ispirati alle sue foto e alle sue cose, mentre di mio padre ricevevamo solo foto, pacchi, regali e dolci per posta. In questa mostra ho incluso il pezzo Nuqle-Afghani, una scultura morbida che ricorda mia madre quando mandava a mio padre dei dolci afghani ricoperti di zucchero di mandorle, i suoi preferiti, impossibili da trovare nella sua comunità in Norvegia. Un’altra opera, Still-Life with Dried Fruits, presenta un francobollo gonfiato proveniente dalla Norvegia con l’illustrazione di una natura morta europea con frutta, pesce e pane, giustapposta a grandi immagini in pixel di frutta secca, come uvetta, pistacchi e mandorle sulla stessa superficie stampata su chiffon. Questo lavoro rappresenta lo scambio culturale tra Occidente e Oriente, intrecciato con il ricordo della mia famiglia che inviava frutta secca a mio padre. Per me, tradurre le foto in materiale morbido è un modo per memorizzare questi ricordi, che mi ha condotta a realizzare uno spazio simile a quello di una casa per la mostra presso la galleria T293, che presenta a sua volta un’architettura unica. Quando rivivo questi momenti negli archivi fotografici, ricordo di essere in uno spazio tranquillo, sicuro e confortante, abbandonandomi ai colori e alla gioia della mia casa. Per trasformare lo spazio di T293, ho rivestito due pareti di chiffon beige e ne ho dipinte altre due di turchese e viola, che ricordano l’aspetto della mia casa d’infanzia. Il tessuto alle pareti tende a rallentare il nostro ritmo e il senso del tempo, oltre a smorzare il rumore, offrendo una sensazione di calma una volta che gli spettatori entrano nello spazio. Tutto questo offre uno spazio simile a una casa, che è esattamente l’atmosfera che volevo evocare allestendo questa mostra.

Irene Follador

Info:

Hangama Amiri, Reminiscences II
04/04/2024 – 25/05/2024
Galleria T293
via Ripense 6, 00153 Roma
t293.it

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