Il 2020 è stato un anno difficile. Si sono sovrapposte narrazioni dissonanti che ricordano i romanzi di fantascienza, mentre i media sono saliti sulla ribalta come compositori di realtà e finzione. Durante la pandemia globale l’attenzione si è focalizzata sulla sicurezza: manifestanti, politici e professionisti medici nelle strade e negli spazi pubblici sono diventati protagonisti indiscussi degli schermi dei nostri dispositivi multimediali. Mentre gli spazi espositivi venivano chiusi, gli spettacoli cancellati o rimandati, schermi e dispositivi di registrazione sono diventati il collegamento e il confine tra il mondo chiuso della vita quotidiana e il mondo intoccabile là fuori. Il virus ha portato l’aria stessa sotto controllo. Le città affollate sono state testimoni del coprifuoco in tutto il mondo e la campagna è diventata visibilmente più invidiabile. Marcela Gottardo, residente in Toscana, ha portato le sue sculture in gesso, letteralmente e direttamente in campo aperto durante la pandemia, nel suo progetto ibrido scultura / fotografia Plein-Air.

Rachel Wolfe: Plein-Air pone gli spettatori nella posizione di un pittore contemporaneo. Oggi i creatori di immagini, equipaggiati di macchina fotografica, invece che di un pennello, sono più numerosi rispetto al passato. Potresti descrivere i tuoi pensieri sull’empatia, la responsabilità degli artisti oggi in relazione al concetto di apertura?
Marcela Gottardo: L’ambiente naturale all’inizio della primavera quest’anno era selvaggio e tranquillo. In una delle mie passeggiate giornaliere nella campagna toscana, ho sentito la brezza che soffiava tra le foglie delle querce. Le sfumature di verde create dalla luce del sole mi davano un senso avvolgente di pura percezione. Ho visto questi scenari molte volte nei dipinti en plein air di fine Ottocento trovati ovunque, dai libri dei musei, dagli studi medici ai ristoranti, dalle fotografie alle cartoline. Ho pensato alle esperienze mediate della realtà e alla funzione delle immagini nelle forme di percezione. Per quanto riguarda l’apertura nel campo dell’arte, implica che l’opera d’arte debba consentire allo spettatore di continuare il lavoro.

R.W.: Durante la visione della mostra, mi è venuta in mente la famigerata serie della BBC “Ways of Seeing” di John Berger. Come pensi che gli atti di rimozione e spostamento agiscano in relazione agli oggetti d’arte stessi?
M.G.: Berger fa emergere l’idea di quiete nell’esperienza diretta delle opere d’arte; un crollo del tempo nei fenomeni dell’esperienza. Nella mia pratica rendo evidente la struttura della visione, considerando il posizionamento e la disposizione come un altro modo per continuare il lavoro.

W.R .: Molti dei tuoi pezzi hanno una sorprendente somiglianza con parti di animali, mentre altri ricordano dei talismani. Per questo mi chiedo se il tuo lavoro implica idee di animismo. Era questa un’intenzione delle tue sculture?
M.G.: Tutto è vivo. Mi interessa un’estetica primordiale e arcaica, un tipo di biologia culturale che appare animalesca, erotica e caotica. La mia intenzione è creare con le mie sculture una seconda natura, come se l’uomo diventasse natura. Non è solo la ripetizione di un linguaggio personale; è più l’idea di questo linguaggio che sopravvive al sé e diventa parte del mondo.

W.R .: I frammenti possono essere visti come resti, eppure i resti sono completamente intatti, interi, conservati. In questo modo, le tue opere si presentano come studi antropologici. Vorresti condividere i tuoi pensieri sui modi in cui il comportamento umano funziona in relazione alle varie concezioni di natura oggi?
M.G.: Penso al mio lavoro come una documentazione dell’esperienza del fare e dell’essere. In questo senso I miei lavori hanno una struttura simile alla fotografia su pellicola, il negativo, lo stampo in gesso, che sono metodi per raccogliere informazioni negli studi sul campo. Sento che siamo scollegati dalla natura. Abbiamo esperienze di seconda mano del mondo. L’arte ha la funzione di ravvivare i nostri sensi offuscati.

R.W.: Il posizionamento delle sculture nel paesaggio e il modo in cui questi oggetti sono stati fotografati, trasmette una sorta di narrativa personale. Cosa ne pensi del modo in cui le immagini e le opere d’arte vengono archiviate nello spazio digitale dopo l’avvento di Google Earth e Google Streetview? Realizzi le tue opere in base all’idea di dove andranno a vivere?
M.G.: Sono consapevole della qualità immateriale dei pixel e delle registrazioni di immagini di opere d’arte e mostre, tuttavia le loro impressioni mentali sono materiali. Ho scelto deliberatamente di creare opere d’arte attraverso processi fisici per evitare la sterilizzazione del senso del tatto nel mio corpo. Il senso del tatto è il primo sviluppato nella vita embrionale. In questo modo penso che il corpo e la mano, abbiano intelligenza.

R.W.: Uncanny Valley è un termine introdotto per la prima volta in Giappone da Masahiro Mori per descrivere la tolleranza che gli umani hanno nei confronti delle invenzioni meccaniche che replicano e in parte cercano di imitare l’essere reale. Quanto è importante la somiglianza con la vita reale quando realizzi i tuoi oggetti? Le forme di vita in gesso sono fatte per suscitare risposte emotive nello spettatore?
MG: Mi piace ricreare i processi naturali come metodo di creazione. Penso alla materia che dà vita a forme animali e geologiche. Ad esempio, posso rispecchiare il processo di stratificazione della materia in geologia che trasforma le rocce nel tempo. Posso distruggere qualcosa che ho fatto per ricostruire, come un edificio che una volta esisteva. Oppure posso versare materiale – sul tipo di un brodo primordiale – immaginando di generare la vita. Tutti questi processi sono intuitivi. Sono più diretti delle mie descrizioni. Quando metto il mio lavoro fuori dallo studio, mi aspetto un coinvolgimento attivo da parte del pubblico.

R.W.: Che ruolo giocano le esperienze personali come ricordi o sogni nella tua opera d’arte? La pesantezza del tuo lavoro trasmette la sensazione di essere originato da uno stampo della realtà. Potresti descrivere il tuo processo di realizzazione delle forme?
M.G.: Ho ricordi meravigliosi della mia primissima infanzia. Giocare in campagna a casa dei miei nonni nel sud del Brasile. La Foresta Atlantica era il mio parco giochi. La maggior parte del mio lavoro attinge a questi ricordi di rocce, piante, insetti e oggetti trovati. Uso pigmenti utilizzati nella costruzione e pigmenti naturali, alcuni sono locali e altri li compro dal Brasile meridionale. Le scelte dei colori sono intuitive e immediate. La mia intenzione è creare corpi sconosciuti. Per quanto riguarda il tempo, realizzare ogni pezzo è abbastanza veloce. Penso ai gesti calligrafici e alla qualità dell’essere che implica.

R.W.: Ci sono altre mostre in programma (online o offline) nel 2020?
M.G.: Farò una mostra personale alla galleria Studio38, a Pistoia, a novembre 2020.

Rachel Wolfe

Info:

http://www.gottardomarcela.com/